La importancia de la imagen:
Los medios icónicos han adquirido una gran importancia ya que, hoy en día, son reproducibles, están al alcance de todos y se deshacen del concepto ‘burgués’ de la obra de arte única dando lugar a la multiplicidad de obras de arte.
Los medios icónicos que captan la realidad ( o al menos transmiten tal sensación), son el cine y la fotografía. Esto es debido a:
- las posibilidades de experimentación
- la sensación de realidad pese a ser una ficción
- el alejamiento de las representaciones formales de la burguesía, algo que sin duda pretendía el movimiento revolucionario dirigido por Bretón.
Contexto
El Surrealismo se gesta en Paris entre 1921 y 1923 de manos de un grupo de escritores que, descontentos con la anarquía predominante en el Dadá, dan lugar a la primera generación de surrealistas en torno a la revista ‘Literature’. En 1924, André Bretón proclama el primer manifiesto surrealista: “Puro automatismo psíquico por el cual se intenta expresar bien verbalmente o por escrito la verdadera función del pensamiento. Dictado verdadero en ausencia de todo control ejercido por la razón, y fuera de toda preocupación estética o moral” (Andre Breton, Primer Manifiesto Surrealista, 1924).
En la herencia Dadá y en las teorías freudianas del psicoanálisis, se abre a la mente hacia lo irracional a través del automatismo psíquico. Este es el medio idóneo para acceder al mundo simbólico del inconsciente y hacer aflorar las fuerzas ocultas del hombre. Se considera la escritura automática como el modo más eficaz para llegar a la verdad al margen de la razón. Los escritores, sumidos en un estado semiinconsciente plasmaban sobre el papel ideas insólitas.
A nivel plástico, el automatismo divergió en una doble tendencia:
- Como automatismo gráfico, improvisando dibujos, formas y colores sin ninguna voluntad consciente o bien, dejando caer los materiales de forma aleatoria sobre el soporte. Joan Miró o André Masson son considerados los principales impulsores de la escritura automática.
Interior holandés I, 1929. J. Miró
- Como automatismo que toma la figuración para presentar imágenes que no obedecen a la lógica, dotadas de una gran capacidad para sorprender al espectador, ya sea planteando enigmas y misterios o bien evocando y traduciendo los sueños o instintos del sujeto. Salvador Dalí o René Magritte.
Ceci n'est pas une pipe, 1929. R. Magritte
El gran masturbador, 1929. S. Dalí
En 1930, se publica el Segundo Manifiesto Surrealista, se reconsideran algunas deserciones o expulsiones de algunos miembros del grupo, algo nada extraordinario. Breton y muchos de sus seguidores se afilian al partido comunista para hacer posible el sueño de la revolución surrealista.
Publicación en 'La Révolution Surrealiste' del Segundo Manifiesto. 15 de Diciembre de 1929.
En los años 40 y 50, el surrealismo fotográfico se adaptó al mundo de la publicidad. Este es elc aso de Cecil Beaton, fotógrafo de modo que fue tachado de ‘surrealista kitsch’.
La princesa Natalie Paley, 1930. Cecil Beaton
Tras la Segunda Guerra Mundial, Bretón rehízo el grupo el EEUU en 1966. El movimiento se disolvió con la llegada de las revueltas de mayo del 68.
La posterior influencia del Surrealismo se hace palpable en distintos movimientos como el situacionismo, la action painting o el tachismo.
Uno de los autores surrealistas contemporáneos destacados es Les Krims. Su arte, imaginativo y anti racional da lugar a resultados absurdos y violentos. En el ámbito fotográfico, experimentó con cámaras Polaroid aprovechando su flexibilidad para modificar imágenes.
The Electric Estathic Effect Of Minnie On Mickey Mouse Balloons, 1968. Les Krims
La fotografía en las Vanguardias
Desde suorígenes y a lo largo del siglo XIX, la fotografía se usaba como herramienta para retratar a la sociedad industrial y burguesa. También como herramienta para el fotoperiodismo a fotografías de paisaje o científicas hasta el punto de equipararse la pintura con la fotografía. No obstante, numerosos fotografías del siglo XIX se pueden poner en relación con lo que será posteriormente la estética de la fotografía surrealista. Pese a esta afirmación, solo unas cuantas eran consideradas ‘dignas’ de compartir su ideología y por ello adecuadas para ilustrar las publicaciones surrealistas. Esta era la obra de Atget, autor por el que el grupo sintió una gran admiración. La fascinación por Atget resulta paradójica si te tiene en cuenta el carácter documental de su obra, puesto que es el primer fotógrafo que registro la realidad sin distorsión alguna de la cámara. No obstante, las situaciones íntimas que transmitiría evocan las sensaciones a la perfección. El carácter surrealista estuvo presente desde el origen de la fotografía pero el mérito de los surrealistas ha sido haberlo aislado.
Imagen del archivo del carnaval de Huelva. Retrato de finales del S.XIX
Colone Moris, Paris. 1910. Eugène Atget.
En 1900, en plena época pictorialista, se daban las primeras manipulaciones llamadas ‘impresiones nobles’ que transformaban el positivo en una obra única para tratar de alinear la fotografía con la pintura. Tras la Primera Guerra Mundial, nace la idea de que la fotografía es algo distinto a la pintura y por ello no debe tratar de imitarla.
Impresión noble. Imagen actual. Cámara Estenopeica. Fuente: Buscador Flickr.
Este es el concepto que comparten todos los movimientos vanguardistas. Es el nuevo concepto de la modernidad, totalmente identificado con Estados Unidos. Allí destaca figuras como Stieglitz o Steichen que dan el paso hacia una fotografía ‘directa y libre’.
Entrepuente, 1907. A. Stieglitz.
Torso, 1902. E. Steichen
Hay que destacar previamente la previa intervención de los futuristas italianos así también como de Schad, creador de las Schadografías, ensalzadas por Tristán Tzara como expresión dadaísta. El mismo Tzara haría el prólogo en 1922 para la exposición de las doce rayografías de Man Ray bajo el nombre de ‘Les Champs Délicieux’. Cabe destacar también a Laszlo Moholy-Nagy que denomino a sus obras fotogramas. Por otro lado, este tipo de fotografías ideadas por Schad, Man Ray o Moholy-Nagy viene a ser lo mismo que Talbot denominó en 1839 como ‘photogenic drawings’ en que se obtiene una imagen negativa obtenida por la impresión directa de los objetos colocados encima de la superficie fotosensible sin el intermedio de la cámara.
Schadografia n.2. 1919. C.Schad
Les Champs Delicieux, 1922. Man Ray (Rayogramas)
Fotograma, 1924. Moholy-Nagy.
Photogenic Drawing, 1839. William Fox Talbot
La influencia del constructivismo soviético tuvo una gran afluencia en el surrealismo alemán que recurrió con gran frecuencia al fotomontaje*. En contrapartida, la ‘Nueva Objetividad’, no quiere recurrir a ningún trucaje sino que pretende expresar lo que el ojo observa. El grupo californiano f/64, surgido simultáneamente, busca la nitidez preconizando la fotografía pura.
Fotomonatje. Cartel para la pelicula 'El acorazado Potemkin' de Eisenstein, 1925. A. Rodchenko.
Railroad Bridge, 1927. Albert Renger - Patzch. 'Nueva Objetividad'
Amanecer, Lago Mc.Donald, 1942. Ansel Adams. 1942
Por otro lado, Salvador Dalí y Paul Eluard coleccionaban postales. En 1937 se imprimió una serie llamada ‘Le carte Surrealiste’ donde se incluian postales de Duchamp, Ernst, Miró y Man Ray entre otros.
Le Carte Surrealiste,1937
La fotografía surrealista
En los años veinte y treinta la fotografía se convierte en un medio de expresión para todos los afiliados al movimiento.
El surrealismo tomó prestado el modus operandi de la cámara: su carácter inconsciente y automático y generó dos procedimientos: las fotografías manipuladas o surrealismo técnico y las que no fueron retocadas o surrealismo encontrado.
La manipulación de imágenes se consideraba plenamente aceptable en cuando se rompen las reglas de la realidad. Se producen así extrañas formas que rozan lo onírico y que ayudan al inconsciente a aflorar por medio de los sentidos.
Sin embargo, fue grande el número de fotógrafos surrealistas que no presentaron una realidad distorsionada y que optaron por tomar el carácter documental de la fotografía y que transmiten los llamados objets trouvés (objetos encontrados). Las fotografías no tomaron solo un carácter artístico sino también uno divulgativo para ilustrar sus revistas o libros, para retratar a los miembros del movimiento etc. Dust breeding (cría de polvo) de Man Ray, por ejemplo, registra una capa de polvo de dos años sobre Large Glass (Gran Vidrio) de Duchamp. Tales imágenes pasaron, en general, sin pena ni gloria, ya que unas fotografías así escapaban del ámbito del arte y entraban dentro de los dominios de la documentación. Los dadaístas de Nueva York, sin embargo,disfrutaban de su condición inequívoca. Al no sobrevivir las construcciones originales por sus condiciones efímeras más allá de su registro fotográfico, las fotografías substituían literalmente al objeto artístico. La reproducción era la analogía visual apropiada de las improvisaciones de los artistas.
Dust Breeding, 1920. ca. 1927. Man Ray.
Existen también diversas imágenes que muestran objetos cotidianos descontextualizados que llegan a a alcanzar otras dimensiones y que, pese a no estar manipuladas, rompen igualmente con la asociación normal de ideas. Los pies y dedos gigantes de Boiffard no se muestran como parte integrante de un cuerpo sino con autonomía propia lo que les ofrece un carácter un tanto grotesco. En 1927, el mismo Dalí publico un artículo en que elogiaba la objetividad, la rapidez y la capacidad que tiene la fotografía de trastocar los objetos con un simple cambio de escala dado que provocaba ‘insólitos parecidos, analogías inimaginables y, no obstante, existentes’.
Sans Titre.1927, Jacques André Boiffard.
Ermitage. 1929. Boris Ignatovich. Influencia constructivista.
Autrorretrato doble, 1936. R. Magritte
La Clarividencia, 1936. R. Magritte
Brassaï también optó por las imágenes sin manipulación pretendiendo encontrar en estas las figuras ocultas de las imágenes mentales.Destacan los retratos de graffiti.
Graffiti,1930. Brassai
Otra temática surrealista es la que busca una mitología contemporánea en que se personifican temores, frustraciones y dilemas de forma que lo retratado se convierte en un símbolo del estado de la mente.
Muñeca de Hans Bellmer. Hans Bellmer.
La Solitud del Ciudadano, 1932. Herbert Bayer.
Kiki,Violin d'Ingres; 1924. Man Ray.
Blanco Y Negro,1926. Man Ray
Además de esta representación del cuerpo humano, no es extraño encontrar fotografías de objetos surrealistas que incluso a veces eran creados con el único propósito de ser fotografiados.
Pintar los negativos.
Duplicar y triplicar la exposición.
La solarización y la rayografía.
Otras técnicas:
Guerin juntó dos negativos, uno de un paisaje convencional y otro de una cristalización producto de haber permitido que cerveza u otros líquidos cristalizaran en un cristal.
Raoul Ubac y David Hare inauguran el Brûlage, que consiste en quemar el negativo con una llama de alcohol etílico. De este modo el artista sólo tenia control parcial sobre el resultado y el resto se daba a causa del azar.
Objeto Posible. R. Ubac
Ubac experimentó también con la combinación de técnicas. Produjo un complejo ensamblaje de fotografía de cuerpos humanos que eran deformados, pegados en un fondo negro, re fotografiados y después solarizado dando lugar a extrañas formas que escapaban de la razón.
El fotomontaje y el fotocollage, fueron usados por muchos surrealistas como Dalí, paul Eluard o André Breton como única conexión con la fotografía.
Fatagaga, 1920. Max Ernst (Fotocollage)
Por otro lado, Herbert Bayer, realizó también fotoplásticas. Tomaban su nombre de huesoso o cuerpos geométricos que se combinaban con elementos naturales como nubes, aguas o sombras.
Metamorfosis, 1936. Herbert Bayer (Fotoplástica)
Brassaï optó por la Transmutación*.
Transmutation,The Dreaming Girl.1934-35.Brassaï.
La diversidad de técnicas empleadas nos hace tener una idea del carácter experimental de la fotografía en el ámbito surrealista para llegar más allá de la realidad. No obstante, es importante también exponer el carácter documental de la fotografía surrealista.
En los años treinta, la fotografía documental había incrementado su número en periódicos y revistas. Hay que tener en cuenta que la mayoría de fotógrafos surrealistas eran escritores o amigos de estos.
Las revistas ‘La Révolution surrealiste’ (24-29), ‘Le surrealisme au service de la révolution’ (30-33), ‘Minotaure’ etc, además de varios libros como Nadja, de André Breton son claros ejemplos, pese a que Bretón concluyó que la fotografía jamás podría representar puramente el modelo interior por él propuesto. No existe ningún tipo de fotografía surrealista que se adecue plenamente a su ideario.
Primera Edición de 'La Révolution Surréaliste', Diciembre de 1924. Incluye obras de Giorgio de Chirico, Ernst, Masson, and Man Ray.
Primera Edición de 'Le Surrealisme au service de la Révolution', 1 de julio de 1930.
Portadas de la Revista Minotaure. 1. Invierno de 1937. R. Magritte / 2. Junio 1936, S. Dalí.
En Nadja, Man Ray tomó los retratos de los surrealistas mientras que Boiffard y Henri Manuel se encargaron de las calles y monumentos, las fotografías de los cuales produjeron una gran decepción en Bretón ya que la fotografía no transmitía el misterio que los surrealistas percibían en las calles. (Y que no obstante, tanto se había admirado de las fotografías de las calles parisinas tomadas por Atget).
No obstante, se pretende la fotografía surrealista que el objeto se convierta en una versión distante y diferente del mismo, haciéndose un lugar en el filtro evocador del inconsciente del espectador. Por ello se entiende que Bretón prefiriera ilustrar sus obras. Así pues, la fotografía estuvo presente durante los años veinte en las publicaciones para definir e ilustrar lo que era el surrealismo.
BRETON, André, Najda, BOIFFARD, J.-A. « Boulevard Magenta, devant le Sphinx Hôtel… », Paris, Gallimard, 1964
BRETON, André, Nadja, « L’affiche lumineuse de Mazda sur les grands boulevards… », Paris, Gallimard, 1964
BRETON, André, Nadja, MAN RAY, « Je revois maintenant Robert Desnos… », Paris, Gallimard, 1964
BRETON, André, Nadja, MANUEL, Henry, « Blanche Derval… », Paris, Gallimard, 1964
No obstante, se pretende la fotografía surrealista que el objeto se convierta en una versión distante y diferente del mismo, haciéndose un lugar en el filtro evocador del inconsciente del espectador. Por ello se entiende que Bretón prefiriera ilustrar sus obras. Así pues, la fotografía estuvo presente durante los años veinte en las publicaciones para definir e ilustrar lo que era el surrealismo.
Por otro lado, Man Ray sí supo captar más allá de lo literal y documental y abordó nuevos caminos que ayudaron a definir lo que debía ser la fotografía surrealista.
Man Ray
En 1913 se presenta en Nueva York el Armory Show, la primera gran exposición de arte moderno. Dicha exposición y su posterior vinculo con la galería 291 de Alfred Stieglitz, conectaría a Man Ray con el espíritu surrealista provinente de Europa. Su relación de amistad con Duchamp a partir de 1914 sería decisiva para él.
Armory Show, 1913. NYC
Poster del Armory Show de 1913
Duchamp y Man Ray, 1924.
Man Ray, que en 1913 había comprado una cámara para fotografiar sus pinturas, a raíz de la influencia de Duchamp, quien había abandonado la pintura, decide abandonarla él también en un gesto dadaísta, que pretende abolir totalmente el arte. Man Ray se dedica plenamente a la fotografía. Por un lado, se convierte en un fotógrafo de moda de gran prestigio para grandes diseñadores ocmo Chanel y publica sus fotos en Vanity Fair, Vogue o Harper’s Bazaar. De este modo, se hace evidente la asimilación de la estética vanguardista por parte de una de las grandes industrias, la moda.
Fotografía para Vogue, 1930. Man Ray
Por otro lado, más allá de la moda, Man Ray sigue experimentando en el ámbito fotográfico. En 1922, decide deshacerse de su cámara para dedicarse a las rayografías.
Sin título. Rayograma, 1943, Man Ray.
Con la llegada del surrealismo, Man Ray incrementa su actividad cinematográfica. Destaa su obra 'Anémic Cinema' junto a Marcel Duchamp.
Anemic Cinema, 1926.
Anemic Cinema, 1926.
EJEMPLOS CLÁSICOS DE FOTOGRAFÍA SURREALISTA
Edward James in front of the Thershold of Liberty, 1937. René Magritte. Gelatina de Plata.
Pere Ubu, 1936. Dora Maar, Gelatina de Plata.
The Doll, 1934. Hans Bellmer. Gelatina de Plata.
Distortion nº4, 1932. André Kertesz. Gelatina de plata.
Jacqueline Goddard, 1930. Man Ray. Gelatia de plata.
Composition, 1929. Maurice Tabard. Gelatina de Plata.
Mystery of the Steer, 1928. Umbo (Otto Umbehr). Gelatina de Plata.
Dust Breeding, 1920. Printed ca. 1967. Man Ray. Gelatina de Plata.
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